Художественная галерея Нового Южного Уэльса Сидней.

В зале музея.

Живопись XVI–XVIII веков.

Бернардо Строцци. Освобождение Петра. Около 1635.

Аньоло Бронзино (1503–1572) Козимо I Медичи в доспехах. Около 1545. Дерево, масло. 86x67.

Аньоло Бронзино — один из известнейших представителей итальянского маньеризма. Его приемным отцом и учителем был Джакопо Понтормо, под руководством которого Бронзино достиг творческой зрелости.

На портрете изображен член младшей ветви знаменитого итальянского семейства Медичи — Козимо I, великий герцог тосканский. Бронзино исполнил произведение, отличающееся характерным для техники художника бесстрастием фактуры и близкой к одержимости безукоризненностью выражения идеи. Выписывание металлических доспехов Козимо потрясает достигнутой в рамках одного и того же цвета широтой тональных нюансов, отображающих градацию между затененными и освещенными частями облачения. Доспехи герцога воспринимаются как основа работы, достаточная для ее создания. Бронзино всегда сосредотачивал свое внимание на деталях костюма, орнаменте, украшениях, в то время как лица его благородных моделей близки по исполнению к гладко отполированному камню и лишены каких-либо эмоций.

Козимо Медичи был главным покровителем Бронзино. Эта картина имеет множество авторских копий, одна из которых — столь же высокого уровня — находится во флорентийской галерее Уффици.

Франс Пурбус Младший (1569–1622) Мужской портрет. Без даты. Холст, масло. 61x53,3.

Франс Пурбус Младший — наиболее известный представитель фламандской художественной династии Пурбусов. Рисовать он начал учиться у своего отца, затем был принят в Академию святого Луки в Антверпене. Покинувший родные земли, Пурбус в Италии стал придворным живописцем герцога Мантуанского, а затем перебрался в Париж, где работал при дворе Генриха Наваррского. Большая часть его творческого наследия — это портреты знатных людей, составившие славу мастера. Эпоха, в которую Пурбус писал их, относится к тому же этапу развития фламандской живописной школы, когда создавал свои полотна знаменитый Питер Пауль Рубенс, воплотивший на холсте идеалы барочной чувственности.

В представленном мужском портрете ощутима близкая манере Рубенса тяга к изобразительной выразительности, насыщенности и многообразию колористического решения. Собственно авторский стиль произведения отличается продуманностью и внутренней уравновешенностью. Динамика и непосредственность движения кисти, работающие на создание патетической барочной экспрессии, принесены в жертву тщательной проработке деталей.

Ян ван Бейлерт (1598–1671) Девушка с флейтой. Около 1630. Холст, масло. 108x85,8.

Радикальное и смелое новаторство в творчестве Караваджо оказало огромное влияние на развитие европейского искусства, в том числе и на мастеров голландской школы, к которой принадлежит Ян ван Бейлерт. Как в сюжетном, так и в стилистическом плане художник следует за итальянским первооткрывателем. Вслед за ранними работами Караваджо живописный мир Европы наполнился многочисленными изображениями, воплощающими радость жизни музицирующих юношей и девушек, чьи образы, как и в данном случае, зачастую не лишены некоторой фривольности в трактовке. Стилистически же полотно ван Бейлерта ближе скорее к зрелому этапу творчества Караваджо, когда для него, наряду с пластическим решением фигур, приобрела особое значение проблема света и на картинах появились резкие противопоставления светлых и темных участков. Именно этот прием пользовался наибольшей популярностью у караваджистов, которые порой доводили рождаемую им выразительность до гротеска. Ван Бейлерту, как бы то ни было, удалось, используя этот метод, сохранить в своем произведении гармонию.

Маттиас Стом (около 1600-после 1650) Гай Муций Сцевола в присутствии Ларса Порсены. Первая половина 1640-х. Холст, масло. 152,6x205,7.

Маттиас Стом — нидерландский художник из группы утрехтских караваджистов. Большая часть его работ посвящена античным сюжетам и, в частности, римской истории, отражая приверженность творца к классицизму, с которым Караваджо не имел ничего общего.

Содержательной основой этого полотна является предание о юном римском герое Муцие Сцеволе. Первые упоминания легенды восходят еще к периоду ранней Римской республики: молодой патриций пробрался в шатер осаждавшего Рим этрусского царя Ларса Порсены, чтобы убить его. Однако по ошибке римлянин вонзил нож в тело придворного писца, после чего был схвачен и приведен к повелителю. Сцевола объявил правителю, что 300 юношей поклялись ценой своей жизни убить его. От дерзкого пленника потребовали раскрыть детали заговора под угрозой пыток и казни, в ответ на это он вытянул свою правую руку над пылающим алтарем и держал так до тех пор, пока она не обуглилась. Порсена, потрясенный таким бесстрашием, приказал отпустить его и заключил мир с Римом. Именно после этого случая Гая Муция прозвали «Сцевола», что означает «левша».

Стом изображает на своей картине наиболее драматический, кульминационный момент описанной выше истории, что было свойственно последователям Караваджо. В то же время он утверждает на холсте торжество духа высокой гражданственной морали, тем самым задолго предвосхищая появление работ мастеров неоклассицизма, таких как Жак-Луи Давид, для которых подобная, связанная с самозабвенной преданностью государству нравственность станет основной темой творчества.

Франс Снейдерс и мастерская (1579–1657) Охота на кабана. Около 1650. Холст, масло. 172x239.

Крупномасштабные, наполненные безудержной барочной экспрессивностью, выразительные декоративные полотна фламандского творца Франса Снейдерса украшали жилища многих его знатных современников, в том числе и столовую во дворце известного мецената и епископа города Брюгге Антония Триста. Снейдерс имел звание главного художника губернатора Нидерландов — герцога Альберта. Основным полем деятельности живописца, избегавшего изображения людей, были монументальные по своим размерам и жизнеутверждающие по образному строю натюрморты и анималистические сцены. Некоторое время он работал помощником Рубенса, рисуя для него животных. В начале творческого пути Снейдерса привлекало написание натюрмортов, а впоследствии он больше заинтересовался созданием на холстах сцен охоты.

Эта поздняя работа, выполненная, вероятно, большей частью в мастерской, повторяет картину, написанную еще в 1620-е, хранящуюся в Национальном музее Познани. Позже, развивая вариативность композиции, художник создал еще два шедевра с изображением разъяренных собак, окружающих и набрасывающихся на кабана. Один из них, датированный 1653, принадлежит британской королевской коллекции и находится в Кенсингтонском дворце.

Якоб ван Рейсдал (1628–1682) Лесистый склон с видом на замок Бентхайм 1655–1660. Холст, масло. 60,2x73,9.

Якоб ван Рейсдал по праву считается ведущим голландским пейзажистом XVII века, кроме того, он значительно повлиял на последующее развитие этого жанра, в особенности на произведения романтизма. Его шедевры обнаруживают глубинные, ранее никем не использовавшиеся возможности выразительности пейзажа, который может быть не только отражением какой-либо местности, или, как это бывало у художников прежних эпох, общей идеи универсума, но также способен оттенять то или иное психологическое состояние, быть созвучным различным настроениям человека. По произведениям мастера очевидно, насколько чутким и острым восприятием жизни природы он обладал.

К 1660-м Рейсдалу удалось достичь особой эмоциональной наполненности своих полотен, данный период стал наиболее плодотворным для него. Эта картина проникнута тревожным, меланхолическим чувством, что не является редкостью в стилистическом почерке автора. Предельная мрачность пейзажа с заполненным тревожно сгущающимися тяжелыми облаками небом достигается с помощью использования темных, холодных оттенков в колорите. Неприветливая тропа подводит взгляд зрителя к сумрачному старинному замку, теряющемуся среди деревьев на вершине холма. Эту реально существующую постройку XI века и окружающую ее местность Рейсдал запечатлевал 12 раз. Появление подобных безрадостных работ могло быть обусловлено необходимостью борьбы с тяжелым недугом и непростыми жизненными обстоятельствами, по-видимому, порождавшими весьма пессимистичный взгляд на место человека на земле и сущность жизни, что не могло не отразиться на творчестве живописца.

Томас Хадсон (1701–1779) Маргарет, леди Оксенден. Около 1755–1756. Холст, масло. 126,2x102.

Во второй половине XVIII века в Англии активно развивался жанр светского портрета. Традиции, заложенные веком ранее фламандским живописцем Антонисом ван Дейком, работавшим при дворе Якова I и Карла I, продолжились в творчестве многих художников-портретистов, среди которых наиболее широкую популярность получили Томас Гейнсборо и Джошуа Рейнольдс. Томас Хадсон был их старшим современником и учителем последнего.

Как и большинство английских творцов той эпохи, Хадсон специализировался на написании портретов высокопоставленных людей. Героиня представленной картины — леди Оксенден — принадлежала к семейству баронетов. Это особый наследуемый титул, выдававшийся британской короной с XVII века, по рангу находившийся между бароном и рыцарем. Супруга баронета, по аналогии с избранницей рыцаря, носила звание дамы. Хадсон придает изображению Маргарет должные величие и достоинство, всенепременно присущие женщине с таким высоким социальным статусом. Как и многие другие английские портретисты, автор не пытается приукрасить внешность своей модели, но с тщательным вниманием и неоспоримым мастерством выписывает подтверждающие ее высокое положение в обществе детали — одежду, аксессуары и драгоценности.

Филипп Якоб Лютербург (1740–1812) Кораблекрушение у скалистого побережья 1760. Холст, масло. 83x126,4.

Филипп Якоб Лютербург — живописец и график французского происхождения, основная часть творческой деятельности которого пришлась на время проживания в Англии, где он даже был принят в члены Королевской академии художеств. Наследие мастера разнообразно: оно включает в себя гравюры и картины с изображениями пейзажей и животных, карикатуры, кроме того, Лютербург занимался созданием театральных декораций. Морские сцены, весьма далекие от штилевого спокойствия, также часто привлекали его внимание. На создание подобных работ автора вдохновляли произведения французского мариниста Клода Жозефа Верне, прославившегося изображением морских бурь.

Лишенные конкретики реальности, близкие к романтическим идеалам сцены кораблекрушений составляют большую часть произведений Лютербурга. В основе их выразительности лежат драматичность события и напряженная динамика композиции, в которой не только волны, но и облака находятся в тревожном, несущем разрушения движении. Твердь скал становится воплощением суровой неизбежности трагического исхода, а акцентированно патетические жесты паникующих людей, чьи фигурки теряются на фоне бушующей стихии, дополняют общее ощущение экспрессивного отчаяния.

Юбер Робер (1733–1808) Широкий вид близ Парижа 1781. Дерево, масло. 76,6x88,5.

Юбер Робер — один из известнейших французских пейзажистов второй половины XVIII века. Высокая популярность художника в 1760-1770-е определила его значительный общественный статус, в 1780-е позволивший ему занять должность главного хранителя королевской коллекции Лувра. Робер знаменит в первую очередь своими работами в жанре каприччо, который объединяет природные виды с изображением фантазийной архитектуры, имитирующей величественные постройки античной древности, или руин. Однако он не ограничивался созданием только лишь выдуманных архитектурных пейзажей, среди его произведений также присутствуют настоящие виды и даже топографические ведуты.

Примером реалистического пейзажа живописца может служить «Широкий вид близ Парижа», который даже в отсутствии гигантских старинных зданий и руин и при всей простоте выбранного мотива сохраняет дух возвышенного величия, пронизанного ностальгическим чувством. Изображая в левом углу картины художника за работой, Робер фактически создает свидетельство собственной деятельности. Это произведение отличают особая свежесть, непосредственность исполнения, что достигается с помощью светлой колористической гаммы и большого внимания, уделенного пространству и световоздушной среде. Названные качества предвосхищают развитие французского пейзажа в XIX веке.